Interview exclusive avec Mayu Maeshima ! Elle s’exprime pour la première fois en France !

Ancienne chanteuse de l’unité MYTH & ROID, Mayu Maeshima poursuit aujourd’hui ses activités énergiques et pleines de passion en tant qu’artiste solo. Re:Zero 2nd season (deuxième cour), Overlord IV, 悪役令嬢レベル99 (villainess level 99), クレバテス (Clevatess): difficile de trouver un générique d’anime marquant de ces dernières années où sa voix n’ait pas laissé son empreinte. Entre sa philosophie de la « fraîcheur de l’émotion », son choix assumé d’écrire en anglais, et son attachement sincère aux personnages qu’elle accompagne à travers ses chansons, elle nous ouvre les portes de son univers créatif — et confie, en toute fin d’interview, son rêve de venir un jour se produire en France.

Bonjour Mayu Maeshima, merci d’avoir accepté cette interview. Pouvez-vous vous présenter à nos lecteurs ? Et quelle est, selon vous, la différence entre votre activité en groupe et votre activité en solo ?

Bonjour à tous en France ! Je suis Mayu Maeshima.

J’ai fait mes débuts avec le groupe MYTH & ROID, et je poursuis aujourd’hui ma carrière en tant que chanteuse solo sous le nom de « Mayu Maeshima ».

Que ce soit avec le groupe ou en solo, j’ai interprété de nombreux génériques et chansons d’insertion pour différents anime. J’espère que vous prendrez le temps de les découvrir !

À l’époque de MYTH & ROID, j’avais le sentiment de chanter en tant que « Mayu », c’est-à-dire d’exprimer, à travers ma personnalité et ma voix, la musique de MYTH & ROID.

Aujourd’hui, en solo, j’ai plutôt le sentiment d’exprimer « Mayu Maeshima », la personne que je suis, à travers ma propre voix.

Je dirais que la plus grande différence réside donc dans cette façon d’utiliser ma voix : auparavant, il s’agissait de ma voix au service de l’expression de la musique du groupe ; désormais, il s’agit de ma voix au service de l’expression de ma propre personne.

Votre titre solo « YELLOW », produit par Kitani Tatsuya, marque vos débuts en solo — quel souvenir gardez-vous de cette période charnière ?

Avant mes débuts en solo, je faisais partie d’un groupe et je partageais une musique dont j’écrivais moi-même les paroles et composais la musique.

Pour « YELLOW », j’ai eu l’occasion d’en écrire les paroles, et j’ai ainsi pu, pour la première fois depuis longtemps, prendre le temps de me confronter à la question : « Qu’est-ce que j’ai envie de transmettre aujourd’hui ? »

C’était certes le début d’une nouvelle aventure avec mes débuts en solo, mais que ce soit sur le plan de la création, de la musique ou même de mon état d’esprit, j’ai eu la sensation de revenir à mes racines. C’est pour cette raison que cette chanson reste particulièrement marquante pour moi.

J’ai également eu la chance de rencontrer directement Tatsuya Kitani et de pouvoir discuter longuement avec lui de mes racines musicales, entre autres. C’était également un moment qui m’a beaucoup marquée.

C’est précisément parce qu’il a composé la chanson en tenant compte de tout cela que j’ai pu naturellement insuffler dans les paroles et dans ma voix les émotions que je ressentais à cette époque, celles qui venaient spontanément de la personne que j’étais alors.

Vous composez souvent à partir d’émotions négatives (tristesse, perte,…) tout en gardant une voix puissante et stylée. Pourquoi ce contraste vous inspire-t-il autant ?

En réalité, je ne ressens pas vraiment ce contraste moi-même. Je ne suis donc pas certaine de parvenir à saisir précisément ce qui le rend séduisant. (rires)

Cependant, comme beaucoup de personnes me disent que ce contraste constitue justement l’un de mes attraits, j’ai essayé d’y réfléchir de mon côté.

Je me suis dit que ma volonté de placer « la fraîcheur de l’émotion » au cœur de mon approche avait probablement une influence importante sur ma manière de m’exprimer et qu’au final, cela pouvait être devenu l’une de mes particularités.

Les émotions négatives possèdent des subtilités et des nuances propres à chaque individu. C’est pourquoi il est difficile d’obtenir une véritable empathie de la part des autres. On peut donc avoir du mal à les partager, ou même à les digérer après les avoir partagées.

Dans mon cas, il arrive souvent qu’elles restent longtemps en moi et finissent par devenir comme un nœud intérieur. C’est justement pour cela que j’en arrive à me dire que « je n’ai d’autre choix que d’en faire une chanson », jusqu’à ce qu’elles naissent sous forme de musique.

Et pour pouvoir donner forme à ce nœud intérieur tel qu’il est, j’ai besoin de préserver ce que j’appelle « la fraîcheur de l’émotion ».

Lorsqu’une chanson conserve toute cette fraîcheur, je peux m’en remettre entièrement à la musique, sans réfléchir avec ma tête, et chanter comme si j’étais habitée par elle, en retrouvant exactement ce que je ressentais à cet instant.

Donc, si vous ressentez dans mon expression une certaine force ou une certaine élégance, je pense que c’est peut-être l’énergie née de la résonance entre moi et la chanson, grâce à cette fraîcheur émotionnelle.

Et cela me fait énormément plaisir.

Vous écrivez toutes vos paroles en anglais — y a-t-il des choses que vous pouvez exprimer grâce à l’anglais, que le japonais ne permettrait pas ?

Je ne parle pas anglais, mais je choisis de m’exprimer en anglais pour deux raisons dont je parlais précédemment : « la fraîcheur de l’émotion » et « mes racines », puisque j’écoute de la musique occidentale depuis mon enfance.

Tout d’abord, en ce qui concerne la fraîcheur émotionnelle, je trouve que l’anglais, qui offre des formulations plus directes et plus franches, me permet d’exprimer mes émotions avec davantage de fraîcheur que le japonais, qui est riche en métaphores et en formulations indirectes. C’est bien sûr une perception tout à fait personnelle.

Il y a également un autre aspect que j’apprécie : pour les personnes qui ne comprennent pas l’anglais, le contenu des paroles n’est pas forcément perceptible dès la première écoute. Elles peuvent ainsi profiter de la chanson uniquement à travers l’impression qu’elle leur procure.

Que la chanson soit lumineuse ou sombre, je mets toujours des émotions négatives dans mes paroles. C’est justement pour cela que j’aimerais que les auditeurs puissent apprécier le morceau indépendamment de son contenu, en se laissant simplement porter par l’impression qu’il leur procure ou par leur propre état d’esprit au moment où ils l’écoutent.

Puis, si certains se mettent ensuite à s’interroger sur les paroles, j’aimerais qu’ils puissent lire une traduction adaptée et découvrir alors leur signification. Ainsi, ils pourraient profiter de la chanson une deuxième fois, avec un regard différent.

Il y a aussi l’aspect lié à mes racines. J’aime la musique occidentale depuis mon enfance, et j’en ai toujours beaucoup écouté et chanté. Les mélodies qui naissent naturellement de moi sont donc, elles aussi, des mélodies qui se prêtent facilement à des paroles en anglais.

Lorsque j’essaie d’y mettre du japonais, je ressens parfois quelque chose d’étrange dans le groove ou le rythme, ou bien les paroles ne s’intègrent tout simplement pas correctement. C’est pour cela que j’utilise l’anglais.

Ce n’est pas pour chercher à être originale avec l’idée de « chanter en anglais alors que je suis japonaise », et ce n’est pas non plus parce que je parle anglais.

C’est simplement que, lorsque je prends tous ces éléments en considération, l’anglais est ce qui me permet d’exprimer le plus naturellement la fraîcheur de mes émotions.

C’est donc naturellement vers des paroles en anglais que je me tourne lorsque je crée mes chansons.

Et comme je ne parle pas anglais, c’est vraiment difficile à chaque fois ! (rires)

Avec MYTH & ROID, vous aviez déjà marqué « Re:Zero » dès la saison 1. Revenir en solo sur « Long shot » pour la saison 2, qu’est-ce que ça a représenté pour vous ?

Les génériques d’anime possèdent un charme complètement différent de celui d’une chanson que l’on compose soi-même : chaque œuvre possède son propre univers musical, et ils permettent de rencontrer des expressions que l’on n’aurait jamais forcément trouvées dans ses propres ressources créatives.

Grâce à mon activité avec MYTH & ROID, j’avais découvert toute la richesse et toute la profondeur de cet univers, et cela me donnait énormément de motivation en tant qu’artiste.

J’étais également profondément attachée aux anime et aux personnages que j’avais rencontrés jusque-là.

Et puis, pour Re:Zero, j’avais participé à pas moins de quatre chansons, en comptant non seulement les génériques d’ouverture et de fin, mais aussi les chansons d’insertion. Cette œuvre avait donc une place très particulière dans mon cœur.

C’est pourquoi j’avais vraiment ressenti un grand vide en m’en éloignant, et j’ai été sincèrement heureuse de pouvoir y revenir.

Le fait de retourner dans l’univers de l’anime à partir de Re:Zero m’a également permis de développer, de créer et de rencontrer encore davantage de formes d’expression que je n’aurais pas forcément trouvées seule.

Je me souviens avoir été vraiment heureuse à cette idée, et je l’attendais avec impatience.

Pour « Mayu Maeshima, l’artiste », cela a eu énormément d’importance en matière d’évolution, et je pense même que cela a constitué un véritable tournant dans ma carrière

Depuis vos débuts solo en 2019 jusqu’à « Foreshadow » pour Clevatess II, comment sentez-vous que votre style a évolué ?

C’est quelque chose qui rejoint ma réponse à la cinquième question.

En accumulant les occasions de chanter des génériques d’anime en tant que Mayu Maeshima, une personne à part entière, j’ai le sentiment d’avoir développé de nombreuses formes d’expression et d’avoir aujourd’hui davantage de choses à transmettre.

À l’époque de MYTH & ROID, je faisais face à l’expression artistique avec acharnement, sans même savoir comment m’y prendre.

Puis, durant mes débuts en solo, je suis revenue à mes racines, en accordant de l’importance à ce qui m’avait construite et en exprimant qui j’étais réellement.

Après cela, j’ai pu retourner dans l’univers de l’anime.

C’est en chantant à travers toutes ces différentes étapes que je suis devenue la Mayu Maeshima que je suis aujourd’hui, et j’ai l’impression d’avoir développé, en tant qu’artiste, une force d’expression bien plus importante que ce que j’aurais pu imaginer.

J’ai également le sentiment qu’avec l’âge et l’accumulation des expériences de vie, j’ai acquis davantage de profondeur en tant qu’être humain, et pas seulement en tant qu’artiste.

Mon style, « accorder de l’importance à la fraîcheur de l’émotion et chanter telle que je suis »,  n’a pas changé.

En revanche, j’ai réellement le sentiment d’avoir construit les bases qui me permettent aujourd’hui de mettre cette philosophie en pratique.

Je suis profondément reconnaissante envers les nombreux anime et personnages qui m’ont permis de grandir.

En dehors du travail, regardez-vous vous-même les animes pour lesquels vous chantez ? Et avez-vous des animes préférés ?

Je regarde toujours les œuvres dont j’interprète le générique !

Je les regarde simplement avec cette envie de suivre leurs personnages jusqu’au bout : parfois comme s’ils étaient mes propres enfants, parfois comme des compagnons ou des amis, et parfois même comme des personnes qui m’auraient ouvert la voie.

Il m’est impossible de choisir un seul anime préféré, mais Re:Zero et Overlord, avec lesquels j’ai partagé un si long parcours et que j’ai vus évoluer au fil du temps, ont forcément une place particulièrement importante dans mon cœur.

Et si je devais citer les œuvres que je regarde avec une sensation proche de celle qu’on peut avoir envers ses propres enfants, je dirais Villainess Level 99 et Clevatess.

Quoi qu’il en soit, je trouve tous ces personnages terriblement attachants, et j’aime pouvoir suivre leur évolution.

Clevatess a été retenu pour une saison 2 après la saison 1 — quel est votre ressenti à ce sujet ?

Pour les saisons 1 et 2, j’ai eu la chance d’être choisie directement par le réalisateur pour interpréter le générique.

Je suis vraiment heureuse qu’il ait écouté les chansons que j’avais interprétées jusque-là, qu’il ait estimé que ma voix et ma manière de m’exprimer correspondaient à l’univers de Clevatess, et surtout qu’il ait suffisamment fait confiance en ma voix et mon expression artistique pour me confier ces chansons.

Le fait de gagner la confiance des personnes qui travaillent du côté de la production, à commencer par le réalisateur, procure une joie différente de celle que l’on ressent lorsque les fans nous accordent leur confiance.

Lorsque de telles opportunités se présentent, cela me touche profondément, car je me dis que tout ce que j’ai travaillé et perfectionné n’a pas été vain, et que, sans même m’en rendre compte, ce que j’ai développé est bel et bien parvenu aux oreilles de quelqu’un.

C’est votre première interview avec un média français — qu’est-ce que représente pour vous le fait de toucher un public international à travers vos musiques d’anime ?

Le fait que les anime japonais servent de pont pour permettre à ma musique de traverser les frontières et d’atteindre des personnes dans de nombreux pays me semble presque miraculeux, et j’en suis vraiment très reconnaissante.

Je serais heureuse si mon expression artistique, en accompagnant ces œuvres, pouvait devenir d’une manière ou d’une autre une porte d’entrée ou un petit ingrédient qui vous donne envie de découvrir et d’apprécier leur musique.

Après tout, la musique et l’expression que je crée naissent justement de cette alchimie avec l’univers des anime. Alors, si vous pouvez également prendre plaisir à cette dimension là, je ne pourrais pas rêver meilleure récompense en tant qu’artiste d’anisongs.

Aujourd’hui, grâce aux réseaux sociaux et aux nombreux outils qui existent, mais aussi grâce aux concerts que je peux donner à l’étranger, je reçois énormément de messages de personnes venant de nombreux pays qui me font part de leur amour pour les anime et les anisongs.

C’est quelque chose qui me touche énormément. À chaque fois, je prends encore davantage conscience de l’amour que les gens du monde entier portent à ma musique, et cela me remplit le cœur.

J’aimerais vraiment pouvoir donner un concert en France un jour !

Un message pour les fans français qui vous découvrent à travers cette interview ?

À tous les fans français, merci du fond du cœur d’apprécier et d’aimer ma musique !

Même si vous êtes loin de moi, je ressens toujours votre amour et votre soutien, et chaque fois que je le ressens, je n’ai qu’une envie : venir en France et partager directement ma musique avec vous.

D’ici au jour où nous pourrons enfin nous rencontrer, je veux continuer à perfectionner mon expression artistique et à évoluer toujours davantage.

De votre côté, continuez vous aussi à profiter pleinement de ma musique ainsi que des anime dont j’interprète les génériques, et attendez ce jour avec impatience !

Et lorsque je pourrai enfin donner un concert en France, venez nombreux me voir !

Je compte encore longtemps sur votre soutien !

De ses débuts au sein de MYTH & ROID à sa carrière solo aujourd’hui indissociable des plus grands univers de l’anime, elle continue d’avancer avec la même sincérité — celle qui donne à sa voix toute sa force. Un immense merci à Mayu Maeshima et à toute l’équipe de NEWCOME pour leur confiance et leur disponibilité tout au long de cet échange. Et qui sait — comme elle le confie elle-même, peut-être qu’un jour, sa musique résonnera enfin sur une scène française.

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