Derrière chaque groupe se cache une personne qui pense la trajectoire, la scène, le son — et parfois, l’écrit tout entier. Chez HATE and TEARS, cette personne s’appelle Sin Hashizume : auteur-compositeur, producteur, DJ le week-end, et président de leur agence. Après avoir interviewé Kayo, UI et MISA, Le Blog de Razory a voulu pousser la porte des coulisses et comprendre ce qui se joue derrière la scène — le métier, les choix, la philosophie d’un homme qui refuse de séparer création et gestion. Une plongée sincère, parfois philosophique, dans ce que signifie « produire » un groupe comme HATE and TEARS.
Vous portez plusieurs casquettes — auteur-compositeur, producteur, et président d’agence. Comment articulez vous ces différents rôles au quotidien ?
En général, pendant la journée, je me consacre principalement à des activités comme la conception et la gestion d’événements, les enregistrements d’artistes ou encore l’enseignement. Comme j’aime composer, je rentre souvent tard le soir et je profite de ces moments pour travailler sur de nouvelles créations. Je fais également du design graphique et du montage vidéo musical jusque tard dans la nuit ! Quant à mes activités créatives, je les mène tranquillement, seul, à des heures où personne ne risque de me déranger ! (rires)
Il est vrai que j’endosse simultanément plusieurs rôles : auteur-compositeur, producteur, directeur artistique d’une agence, etc. Mais je ne considère pas ces rôles comme des « métiers distincts ». Pour moi, ils sont tous liés à un même objectif : donner vie à l’univers que j’ai envie de créer.
Par exemple, lorsque j’écris une chanson, je réfléchis en tant qu’auteur-compositeur. Mais dès que je commence à me demander à quoi je veux toucher, sur quelle scène je veux la présenter, avec quel type de visuel, ou encore comment la diffuser à l’étranger, je passe naturellement à une réflexion de producteur. Et pour que tout cela puisse fonctionner de manière cohérente, les aspects liés au management, au business et au rôle d’une agence sont également indispensables.
C’est pourquoi, pour moi, « créer de la musique », « faire vibrer les gens », « créer des lieux » et « faire rayonner son travail dans le monde » ne sont finalement que les différentes facettes d’une seule et même démarche créative.
Bien sûr, je ne parviens pas à tout faire parfaitement chaque jour. Il y a aussi des journées où le travail administratif me prend tellement de temps que je n’ai pas suffisamment de temps à consacrer à la création. C’est justement pour cela que j’essaie, autant que possible, de donner la priorité aux choses que je dois absolument réaliser moi-même.
Dans le processus de production créative, je souhaite m’impliquer aussi profondément que possible dans chaque étape : les paroles, les mélodies, les arrangements, la conception sonore, les concepts visuels… Cela relève aussi, d’une certaine manière, de l’esprit DIY. Je ne veux pas simplement tout externaliser et recevoir un produit fini ; en réalisant moi-même chaque étape, je peux comprendre comment l’œuvre a pris sa forme, jusque dans les moindres détails. Et lorsque c’est nécessaire, je fais bien sûr appel à des professionnels.
Afin de poursuivre réellement cette démarche, des aspects tels que la gestion de bureau et les affaires seront également nécessaires.
Alors pour moi,
« Faire de la musique »
« Move les gens »
« Créer un endroit »
« Délivrer au monde »
Cela signifie qu’ils sont tous une seule création.
Comment répartissez-vous votre temps entre création musicale, production, et direction de l’agence ?
J’aime être sur le terrain des LIVE, donc lors des LIVE de HATEandTEARS, je fais du DJ.
Les samedis et dimanches, je parcours tout le Japon !
Concernant la répartition de mon temps, je ne sépare pas précisément chaque jour les choses en me disant : « tant d’heures pour la création musicale, tant d’heures pour la production, tant d’heures pour la gestion de l’agence ».
Cela varie énormément en fonction de la situation du projet.
Par exemple, avant la sortie d’un morceau, je consacre davantage de temps à la production musicale et à la promotion. Lorsqu’un événement approche, le poids du travail de production augmente : coordination avec les artistes, lieu, éléments de production, déroulement du jour J, etc.
Dans la gestion de l’agence, il y a également les tâches qui surviennent quotidiennement : contrats, gestion des emplois du temps, comptabilité, prospection, négociation des prestations, etc.
De plus, le week-end, je suis moi-même sur le terrain des lives et je fais également du DJ.
C’est un temps qui est très important pour moi.
Lorsque l’on occupe une position de représentant ou de producteur, on finit forcément par passer davantage de temps devant un bureau à réfléchir aux choses. Mais lorsque je suis réellement sur le terrain, je peux directement ressentir la réaction du public, l’atmosphère du lieu et le type de son qui résonne actuellement.
Les sensations que j’y acquiers reviennent ensuite dans la création musicale et la conception des événements.
Autrement dit, dans mon cas, il y a un cycle :
Création → terrain → réaction → amélioration → nouvelle création
Si je fais du DJ le week-end, ce n’est donc pas simplement parce que « j’aime le DJ ».
Le fait de faire moi-même l’expérience, sur le terrain, de la musique que je crée, est également extrêmement important pour moi en tant que producteur.
En termes de ressenti, dans une période normale, je dirais environ :
Création / production musicale : 30 %
Production / conception : 40 %
Gestion de l’agence / management : 30 %
Mais ce n’est pas fixe. Lorsqu’il y a une sortie ou un gros événement, la proportion consacrée à la création ou à la production augmente d’un coup, et le week-end, je suis sur le terrain pour les lives et le DJ.
Donc, dans mon cas, je n’ai pas vraiment non plus la sensation de « séparer complètement travail et vie privée ».
Bien sûr, il faut aussi se reposer, mais créer de la musique, créer des événements, faire du DJ, produire des artistes et gérer l’agence sont pour moi autant de choses qui sont toutes reliées à un seul et même monde.
Je ne pense pas : « puisque je suis producteur, je ne vais pas sur le terrain ». Au contraire, je pense que c’est précisément parce que je suis producteur que je devrais aller sur le terrain.
Parce qu’il y a énormément de choses que l’on ne peut pas comprendre simplement derrière un bureau.
Au final, plutôt que d’avoir l’impression de gérer mon temps, j’ai davantage le sentiment d’investir mon temps dans l’avenir que je veux moi-même créer.
Comment est né votre lien avec Kayo, UI et MISA ? Depuis quand travaillez-vous ensemble ?
En réalité, ma rencontre avec Kayo, UI et MISA a commencé d’une manière assez inattendue.
Au départ, toutes les trois étaient des STAFF qui m’aidaient sur les événements que j’organisais.
Autrement dit, dès le début, notre relation n’était pas celle d’« artistes et producteur ».
J’organisais les événements et elles m’aidaient à l’accueil, aux ventes de produits et au soutien sur le terrain.
À l’époque, je pense que je me disais simplement quelque chose comme : « Ces filles travaillent vraiment bien. » (rires)
Mais à force de faire le terrain ensemble à plusieurs reprises, leur personnalité à chacune a progressivement commencé à apparaître.
« Cette fille, elle serait intéressante si elle montait sur scène, non ? »
« Ce serait quand même dommage de laisser ces trois-là uniquement dans les coulisses, non ? »
C’est à partir de là que j’ai commencé à penser à ces choses.
Et c’est là que ça devient intéressant, d’une certaine manière : ces trois personnes qui étaient STAFF, j’ai ensuite commencé à les pousser vers le côté de celles qui montent sur scène.
Au départ, elles étaient simplement venues m’aider sur des événements, puis, sans même que je m’en rende compte, nous nous sommes mis à créer des morceaux ensemble, à faire des lives, à créer des œuvres et même à aller jusqu’à monter sur des scènes à l’étranger.
La vie est vraiment imprévisible, n’est-ce pas ? (rires)
Cela dit, je n’avais pas non plus décidé dès le départ : « Je vais créer HATEandTEARS avec ces trois personnes. »
Nous avons passé du temps ensemble sur le terrain, j’ai ressenti leur personnalité et leur potentiel, et nous en sommes arrivés à :
« Alors, essayons de créer nous-mêmes quelque chose d’intéressant. »
C’est là que tout a commencé.
C’est pourquoi, pour moi, ma rencontre avec ces trois personnes n’est pas simplement une rencontre avec des membres.
Nous sommes passés d’une relation entre ceux qui créaient des événements et le STAFF qui les aidait à devenir, sans même nous en rendre compte, des « camarades qui créent ensemble quelque chose de nouveau ».
Je pense que c’est ce qui est intéressant avec HATEandTEARS.
Et encore aujourd’hui, je vais sur le terrain et, le week-end, je monte moi-même sur scène en tant que DJ.
C’est précisément pour cela que je pense que le « sens du terrain » que j’avais lorsque j’ai rencontré les trois filles au début reste encore aujourd’hui lié à ma manière de produire.
Parce que j’ai connu les coulisses, je peux aussi comprendre ce que ressent une personne qui monte sur scène.
Et inversement, maintenant que je suis moi-même monté sur scène, je comprends également l’importance du travail des personnes en coulisses.
Commencer comme STAFF, devenir artistes, puis viser ensemble le monde.
Quand on y pense, le début de notre histoire est peut-être lui-même une sorte de success story un peu particulière. (rires)
En tant que producteur, qu’est-ce qui différencie votre approche de HATE and TEARS de celle des autres artistes que vous accompagnez ?
Par le passé, je n’ai pas beaucoup produit d’artistes féminines…
HATEandTEARS est un groupe particulier pour moi…
La plus grande différence, c’est qu’avec HATEandTEARS, plutôt que de simplement « produire », je suis moi-même entré dans cet univers et nous le créons ensemble.
À l’origine, Kayo, UI et MISA étaient des STAFF qui m’aidaient sur les événements que j’organisais.
À partir de là, nous avons commencé à créer des scènes ensemble, puis des morceaux, et avant même de nous en rendre compte, nous étions devenus le HATEandTEARS actuel.
Je ne suis donc pas en train de produire des artistes qui étaient déjà achevées dès le départ.
Nous avons construit la forme ensemble à partir de zéro. Je pense que c’est la plus grande différence.
Par exemple, pour les morceaux, je ne me contente pas de leur donner une chanson terminée en leur disant : « Chantez cette chanson. »
J’écris et je compose moi-même, je réfléchis au son, je l’écoute réellement en live, j’observe les réactions des membres et du public, puis je la modifie à nouveau.
Comme je suis moi-même sur le terrain le week-end en tant que DJ, je peux également observer la réaction du public depuis la scène.
C’est pourquoi, concernant HATEandTEARS, il ne s’agit pas d’une « production pensée derrière un bureau », mais d’une « production dans laquelle nous créons ensemble sur le terrain ».
Un autre point important est que, dès le départ, je n’ai pas établi de « bonne réponse » claire pour HATEandTEARS.
Normalement, on pourrait avoir une approche marketing du genre : « Puisque ce sont des idols, faisons ceci », ou « Pour ce marché, faisons ce type de chanson ».
Mais moi, je tiens plutôt à l’idée :
« Essayons de faire ce qu’une idole normale ne ferait pas. »
Electro, Hip-Hop, Rock, Dance Music, Idol… même des choses qui semblent, à première vue, incompatibles, nous les mélangeons toutes.
C’est de là qu’est née l’idée de « Shock Pop » que nous revendiquons.
Ni simplement « mignon », ni simplement « intense ». Émotionnel, agressif, beau et accrocheur.
En fusionnant des émotions contradictoires en une seule, nous voulons créer un choc qui fasse ressentir à n’importe qui dans le monde :
« Je n’ai jamais entendu une musique comme celle-ci. »
C’est pourquoi HATEandTEARS n’est pas simplement, pour moi, le fait de « produire un groupe d’idols ».
Plutôt que de nous faire entrer dans une catégorie existante, nous créons nous-mêmes une nouvelle catégorie.
C’est cela, mon approche de HATEandTEARS.
Bien sûr, pour les autres artistes, je réfléchis avant tout à la manière de faire ressortir leur personnalité et leur charme propres.
Mais dans le cas de HATEandTEARS, c’est plus expérimental.
Même s’il existe une possibilité d’échouer : « Ça a l’air intéressant, alors essayons. » Et si ça ne marche pas, nous recommençons.
Nous répétons ce processus.
Pour moi, produire ne signifie pas gérer quelque chose qui est déjà terminé. Cela signifie « créer ensemble quelque chose que personne n’a encore jamais vu ».
C’est pourquoi HATEandTEARS est pour moi moins un « artiste que je produis » qu’un projet avec lequel j’expérimente ensemble ma propre philosophie créative.
Vous avez composé « You Should Be Better » en pensant à Japan Expo — pouvez-vous nous raconter votre démarche créative pour ce titre, de l’écriture à la production ?
« You Should Be Better » a été créé dès le départ en pensant à sa présentation au public étranger de Japan Expo Paris. En réalité, cette chanson a été créée en vue du live à Japan Expo Paris et c’est également un morceau qui s’est développé à travers les lives.
La première chose à laquelle j’ai pensé était d’en faire une chanson dont l’émotion puisse être transmise dès la première écoute, même si l’on ne comprend pas tous les mots.
HATEandTEARS a pour concept le « Shock Pop », qui combine différents éléments tels que l’Electro, le Hip-Hop, le Rock et l’Idol. Cette fois, j’ai donc particulièrement cherché à créer « une chanson capable de changer l’atmosphère en un instant sur une grande scène à l’étranger ».
Dans le titre « You Should Be Better », il n’y a pas seulement le sens de dire à quelqu’un : « Tu devrais faire mieux ». Ces mots sont également destinés à moi-même.
Lorsque j’ai écrit les paroles, plutôt que d’aligner beaucoup de mots compliqués, j’ai choisi des phrases simples et fortes, principalement en anglais. Je voulais que même quelqu’un qui l’écoute pour la première fois puisse retenir les paroles et le rythme du refrain et chanter avec nous.
Ensuite, pour la composition et l’arrangement, j’ai accordé une importance particulière aux premières secondes. La guitare de l’introduction n’est pas simplement une introduction : elle constitue en quelque sorte « l’enseigne sonore » qui transmet instantanément l’univers de cette chanson. Elle commence avec une guitare forte et saturée ainsi qu’une phrase pleine de tension, puis se poursuit naturellement vers le HIP-HOP et la DANCE MUSIC.
J’ai également beaucoup réfléchi au fait que, lorsque le morceau serait réellement joué en live, non seulement les membres, mais aussi le public puissent bouger leur corps. En réunissant l’énergie agressive du Rock, la vitesse de la Dance Music et le côté accrocheur propre à l’Idol, j’ai voulu créer « une chanson que l’on ne se contente pas d’écouter, mais que l’on ressent avec toute la salle ».
Sur la scène de Japan Expo, il fallait un impact qui puisse même faire penser à quelqu’un qui ne connaît pas la culture idol japonaise : « Mais qu’est-ce que c’est que cette chanson ? »
C’est pourquoi « You Should Be Better » n’a pas été créée avec l’idée de produire dès le départ un enregistrement studio achevé. Elle a été conçue comme une chanson dont le niveau de finition allait augmenter en recevant les réactions du public pendant les lives.
Au final, c’est devenue une chanson qui suscite énormément de réactions en live et qui est aujourd’hui l’un des morceaux emblématiques des concerts de HATEandTEARS. Le 31 juillet 2026, j’ai également pu diffuser à nouveau dans le monde cette chanson qui était née en vue de Japan Expo Paris.
Personnellement, j’aimerais qu’à travers cette chanson, davantage de personnes à l’étranger, et pas seulement au Japon, découvrent la musique « Shock Pop » de HATEandTEARS.
Comment gérez-vous les demandes venues de l’étranger, comme la mienne depuis la France ?
Concernant les demandes venant de l’étranger, j’y réponds en principe de manière très positive.
En particulier, les sollicitations venant de l’étranger, notamment de France, représentent à mes yeux une occasion importante de faire connaître la musique de HATEandTEARS non seulement au Japon, mais également aux personnes du monde entier.
Après avoir eu l’expérience de nous produire à Japan Expo Paris, j’ai ressenti le plaisir de nous produire devant un public étranger, mais aussi la sensation que la culture idol japonaise et notre musique « Shock Pop » pouvaient parfaitement être transmises à l’étranger.
C’est pourquoi, pas seulement pour les prestations live, mais aussi pour les interviews, les publications dans les médias, les présentations de morceaux, les présentations de clips, les collaborations, etc., je réponds de manière aussi flexible que possible aux projets qui s’intéressent à HATEandTEARS, après avoir vérifié leur contenu.
Lorsqu’une demande vient de l’étranger, il existe également des différences de langue et de culture. Je m’efforce donc de communiquer en comprenant autant que possible le pays de mon interlocuteur et le style du média concerné.
Par ailleurs, nous ne voulons pas simplement « emmener des idols japonaises à l’étranger ». Nous sommes également intéressés par le fait de créer de nouvelles choses avec des artistes, des créateurs et des médias étrangers.
En incluant la France, j’aimerais continuer à accorder de l’importance aux liens avec l’étranger et faire connaître le « Shock Pop » de HATEandTEARS dans le monde.
Si, comme cette fois-ci, des personnes travaillant dans des médias étrangers prennent contact avec nous, c’est en soi quelque chose qui me fait très plaisir, et j’espère que ces nouvelles rencontres pourront mener à de nouvelles activités.
Est-ce également vous qui gérez l’organisation des chekis (photos instantanées avec les fans) lors des événements ?
Oui, en principe, je participe moi-même également à la gestion sur le terrain.
Pas seulement pour la production des lives et les prestations, mais aussi pour les événements de type cheki et les autres séances de rencontre organisés le jour de l’événement, nous les gérons autant que possible nous-mêmes tout en vérifiant la situation sur place.
Les chekis sont un moment important pendant lequel les fans et les membres peuvent communiquer directement. Je veille donc à ce qu’il ne s’agisse pas simplement de prendre une photo puis de terminer, mais à ce que cela devienne autant que possible un espace où chacun puisse passer un bon moment.
D’un autre côté, lorsque l’événement prend de l’ampleur, la coopération du personnel sur place devient nécessaire pour des questions de sécurité, de déroulement, d’organisation des files d’attente, etc. Dans ce cas, je gère le déroulement général en coordination avec le STAFF.
Comme je participe moi-même non seulement aux activités des artistes, mais aussi à la production et à l’organisation des événements, j’essaie de réfléchir à la manière de rendre l’ensemble de l’événement agréable en adoptant à la fois le point de vue des artistes et celui du public.
En particulier, lors des événements à l’étranger, certaines personnes ne sont pas familières avec la culture idol japonaise. Je souhaite donc que les chekis et les autres événements de rencontre eux-mêmes puissent faire partie d’une expérience permettant de découvrir et d’apprécier la culture idol japonaise.
Un conseil pour quelqu’un qui rêverait de conjuguer création artistique et direction de projet, comme vous le faites ?
Ce que je veux dire avant tout : « si tu as une envie, ne compte pas sur quelqu’un d’autre pour la réaliser — fais-le toi-même ».
La chose que je voudrais transmettre avant tout, c’est : « Si vous avez quelque chose que vous voulez faire, au lieu d’attendre que quelqu’un d’autre s’en charge, essayez de le faire vous-même. »
Je ne veux pas seulement produire HATEandTEARS : j’aimerais autant que possible réaliser moi-même tout ce que je peux faire, de la production musicale à la conception, aux événements, à la promotion, aux réseaux sociaux et à la gestion sur le terrain.
Au Japon, même certaines personnes qui portent le titre de « producteur » ne composent en réalité pas elles-mêmes de musique ou ne participent que très peu à la production elle-même.
Bien sûr, je pense que chacun peut avoir sa propre conception de la production. Mais pour moi, ce qui compte davantage que le titre, c’est « ce que l’on a créé ».
Pour moi, produire ne signifie pas donner des instructions à quelqu’un.
« Faire exister dans le monde réel quelque chose qui se trouve en soi mais qui n’a pas encore pris forme. »
C’est cela, pour moi, la production.
C’est pourquoi, si je me présente comme producteur, je veux au minimum être moi-même présent sur le terrain de la création. Créer des morceaux, réfléchir aux mots, choisir les sons, réfléchir aux visuels, créer la scène.
Bien sûr, il n’est pas nécessaire de tout terminer seul. Faire appel à d’excellents créateurs et membres du STAFF fait également partie des tâches importantes d’un producteur.
Cependant, je ne trouve pas particulièrement séduisante l’idée de « se présenter comme producteur alors que l’on ne crée soi-même rien ».
Créer, même au prix de se salir les mains.
Même en cas d’échec, l’assumer comme sa propre responsabilité.
Puis lancer ce qui a été créé dans le monde, et transformer les réactions reçues en matière pour la création suivante.
Voilà ce qu’est pour moi l’esprit DIY.
Et une autre chose à laquelle j’accorde de l’importance est l’idée que « la création n’a pas de forme finale ».
On ne s’arrête pas après avoir créé une chanson : on fait un live, on ressent la réaction du public, puis on réfléchit à nouveau au son. Si l’on va à l’étranger, les réactions de l’étranger permettent également de faire de nouvelles découvertes.
Autrement dit, je pense qu’une œuvre ne s’arrête pas au moment où elle est achevée. À partir du moment où elle parvient à quelqu’un, une nouvelle création commence à nouveau.
C’est pourquoi je ne sépare pas la création de la gestion.
Créer de la musique, créer des événements, créer des rencontres avec les gens : je considère que tout cela est une seule et même « expression ».
Un producteur n’est peut-être pas quelqu’un qui gère quelque chose qui est déjà terminé, mais plutôt quelqu’un qui transforme de ses propres mains un avenir qui n’existe pas encore en une réalité.
À ceux qui souhaitent à l’avenir se lancer à la fois dans la création et dans la gestion de projets, je voudrais dire qu’il n’est pas nécessaire de penser dès le départ à faire quelque chose de grand : commencez par créer vous-même une chose.
Même une chanson, un événement ou une vidéo.
Créez de vos propres mains quelque chose dont vous pourrez dire : « C’est moi qui ai créé ça. »
Je pense que l’accumulation de ces créations deviendra progressivement votre propre philosophie, puis votre propre style.
Ne laissez pas votre rêve se terminer par « un jour, j’aimerais le faire ».
Transformez votre pensée en action.
Transformez l’action en œuvre.
Lancez l’œuvre dans le monde.
Voilà ce que sont, pour moi, la création et la production.